Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas
ISSN: 2215-9959 (En línea) | ISSN: 1794-6670 (Impreso) Música; Artes visuales y artes escénicas Scopus | Emerging Sources Citation Index | EBSCO | ProQuest La revista Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas fue creada en enero de 2004 en la facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Es una publicación arbitrada de periodicidad semestral que promueve el ejercicio de la investigación, la reflexión y la crítica, desde amplias perspectivas metodológicas y teóricas, estimulando el diálogo entre artistas, investigadores, estudiantes y otros públicos. En la actualidad la revista MAVAE difunde textos inéditos por convocatoria, en las categorías de investigación o reflexión, en español, inglés y portugués.
Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá
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La sembradora de agua del humedal La vaca, Dora Consuelo Villalobos Burgos
A lo largo de muchos años, este espacio que con pulso débil apenas respiraba pasó a componerse de diversos latidos que hoy se escuchan con vehemencia: un cuerpo palpitante. Bajo toneladas de escombros, la vida seguía allí, esperando ser recordada. Fueron muchos los seres que lo vieron morir, pero también muchos quienes lo han acompañado y alentado a volver. Dora, sembradora de agua y madre supo reconocerlo, pudo acunarlo y verlo crecer nuevamente. Como una Nepantlera, cuidadora de lo que florece en los márgenes, empezó a trenzar entidades humanas y no humanas, a leer los signos del agua enterrada, a abrir poros donde solo había límites e hizo del paisaje un tejido de encuentros. Su gesto fue el de la escucha, el de la siembra lenta, el de la paciencia. Desde allí, tejió vínculos y enredó raíces con voluntades, conectó el agua con la memoria. De este modo, el humedal (su obra y uno de sus hijos) es un textil vivo.
Derechos de autor 2025 Dora Villalobos Burgos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Aluvión: el perdón como acto revolucionario. Un límite es un punto de diálogo
Mi trabajo es un nudo apretado entre el territorio y la emoción, el duelo individual y colectivo, la palabra y el encuentro. Habito con una de las materias más fundamentales en los procesos de cambio colectivo: las emociones compartidas. Mi quehacer está profundamente vinculado al acompañamiento y a la búsqueda constante de esa energía vital que emana del sentir colectivo. Enfrentarnos al paradigma moderno revela las consecuencias de sistemas neoliberales y extractivistas que han moldeado nuestras formas de vida. Esta separación entre lo humano y lo natural no solo es artificial, sino también una expresión de miedo: el miedo que impulsa el deseo de la ilusión máxima: el control. Pero la naturaleza no es solo entorno: determina profundamente lo que somos, lo que sentimos, nuestras raíces, nuestras luchas y la forma en que trazamos nuestros caminos tanto a nivel individual como colectivo.
Derechos de autor 2025 Carmen Caro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Dislocar la catástrofe: arte, limbos y pulsos
Este dosier reúne voces que, tras la imagen del desastre y la inminencia de la muerte, revierten el paradigma de lo catastrófico. Detectamos imágenes que confrontan panoramas fatalistas que describen el tiempo como estático y rígido, y que a partir de ahí rescatan y señalan espacios como nichos de posibilidades. ¿Es la relación vida-muerte una dicotomía? Panoramas apocalípticos, generalmente de o asociados a crisis socioecológicas, aparecen todos los días en diferentes plataformas de información. Fronteras erigidas para dividir territorios, ocupar otros y fragmentar cuerpos; bosques ardiendo en llamas; ríos sin cauce; orillas cada vez más extendidas o reducidas; derramamientos de petróleo en medio del océano; años calurosos nunca antes experimentados; pandemias; relaciones de acaparamiento y despojo; humanos cómplices silentes del genocidio de un pueblo. Cúmulos de imágenes que gritan por sí mismas inundan nuestros contextos. El punto que nos inquieta del paradigma de lo catastrófico navega en esa imagen que va más allá de sembrar una alerta y que presupone un cuerpo y un tiempo estático, que no permite concebir en los paisajes devastados, en los espacios abandonados, en el dolor, en la ruina y en el duelo un después.
Derechos de autor 2025 Santiago Lemus, Camila Duque-Jamaica https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Ser barro, hacer mundo: prácticas cerámicas cubeo y correspondencias multiespecies con el suelo vivo
Este artículo se sedimenta en la interacción entre el colectivo Cubay Jëjënava, conformado por indígenas cubeo del Vaupés, y el suelo arcilloso de la Amazonia, particularmente el barro azul, considerado excremento del güío progenitor. Este material trasciende su carácter utilitario para convertirse en un sedimento vivo cargado de memorias de la Tierra. Mediante técnicas tradicionales, como el amasado y la quema, el barro azul se transforma en objetos que no solo cumplen funciones prácticas, sino que también preservan historias que entretejen lo humano y lo no humano, lo vivo y lo no vivo. Reviso la historia geológica de los suelos amazónicos, formados hace millones de años, destacando que, lejos de ser infértiles, estos suelos actúan como agentes activos en la co-creación de vida y en la interacción con las comunidades humanas. Las arcillas azules y grises, a menudo consideradas limitantes desde narrativas científicas y coloniales, son resignificadas por las prácticas indígenas como compañeras en la generación de formas de vida y posibilidades creativas. Los colores de la Tierra (blanco, amarillo, azul y rojo) son esenciales en estas dinámicas, ejemplificadas por el carayurú, un pigmento rojo utilizado como sustancia de protección, curación y comunicación, que también se utiliza para crear trazos protectores en los rostros de quienes trabajan con el barro azul, cuyas formas se replican en las cerámicas y reverberan en pinturas de rocas antiguas. Este vínculo refuerza la conexión entre los cuerpos y el territorio, subrayando la interdependencia entre el suelo y quienes lo habitan, así como demostrando que el suelo, lejos de ser una entidad inerte, es un organismo vibrante y en constante transformación, capaz de generar vida y significado a través de las prácticas materiales indígenas.
Derechos de autor 2025 María Camila Montalvo-Senior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Quien no está listo para la fiesta no está listo para la guerra: pulsiones de vida contra políticas de muerte
Este artículo es fruto del proyecto de creación-investigación “Laboratorio de teatralidades latinoamericanas: Fiesta y guerra”, coordinado por los docentes de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) desde agosto de 2023. Con más de veinte participantes, el espacio teórico-práctico se convirtió en una oportunidad para investigar principios comunes entre las fiestas y luchas populares en América Latina. Ejemplos de estos principios son la acción y autoorganización en comunidad, la reivindicación por la memoria y la justicia a través de operaciones simbólicas dilatadas, la toma de espacios públicos, la irreverencia contra esquemas normativos y el constante estado de juego. Además, pensamos y experimentamos la fiesta y su pulsión de vida como lucha y resistencia frente a sistemas coloniales de mortandad que hace más de quinientos años intentan barrer del mapa todo y cualquier vestigio de cuerpos, saberes y memorias disidentes que son considerados descartables por las estaturas del poder. Tanto la fiesta como la lucha demandan un cuerpo urgente y colectivo que, con su potencia y afirmación de existencia, ahuyentan las políticas de muerte y desencanto del Cono Sur. En nuestro laboratorio, inventamos colectivamente dispositivos y juegos capaces de tejer estas dos instancias, haciendo dialogar sus principios y, de esta manera, mediante exploraciones escénicas, se construyen imágenes corales que puedan subrayar en la retina de la memoria la idea y práctica de que “estamos vivos a pesar de la muerte”.
Derechos de autor 2025 Ana Julia Marko Kirchhausen, Jorge Luis Villanueva Bustíos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Fisiones en el tejido sensible de lo vivo: la experiencia estética en tres creaciones bioartísticas sobre la semivida, la extinción de vidas distantes y la muerte de vidas próximas
A través de este artículo, busco comprender la experiencia estética de varios espectadores en tres creaciones bioartísticas: Victimless Utopia (2003-2006) de TC&A, Malamp: Reliquaries (2001-) de Brandon Ballengée y Mother and Child (Divided) (1993) de Damien Hirst. Partí de un enfoque hermenéutico-fenomenológico de corte cualitativo basado en la propuesta de la etnografía sensorial. En entrevistas antropológicas en profundidad, así como mediante una autoetnografía, exploré los diálogos que once espectadores, de características heterogéneas, entablamos con las obras, a fin de comprender nuestra experiencia estética. Encontré que las piezas mencionadas ponen en crisis nuestra noción de lo unitario y ciertos dualismos perniciosos del pensamiento occidental, lo que da lugar a la monstruosidad, mediante la fisión del tejido sensible, la hiperestesia y el disenso. En este proceso, emergieron nuevas categorías de pensamiento, como la semivida, la vida distante y la vida próxima. Pude concluir que la experiencia estética puede estructurarse en función de la identificación de los modos de torsión del tejido sensible, el cuestionamiento del sentido común, la movilización afectiva y el disenso. Mi aporte consiste en proponer una aproximación a la experiencia estética de lo monstruoso que permita precisar cómo el modo de torsión del tejido sensible se articula con la puesta en crisis del pensamiento dualista y con la posibilidad de reconfiguración de la realidad.
Derechos de autor 2025 Elsa María Beltrán Luengas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Esbozos para un hacer enmarañado con y a través del proyecto de investigación-creación Prácticas artísticas para una Colombia más-que-humana: de los mundos de plantación a las marañas-mundo
Este artículo tiene como objeto reflexionar sobre la serie de procesos, prácticas, concepciones metodológicas y conceptuales que hacen parte del proyecto de investigación-creación en curso Prácticas artísticas para una Colombia más-que-humana: de los mundos de plantación a las marañas-mundo. El proyecto toma como punto de partida la obra de dramaturgia titulada El silencio del salvaje: Viaje interior por los laticíferos de la siringa de Álvaro Iván Hernández Rodríguez (2014) como expresión de la catástrofe y radical simplificación producida por la relación extractivista e instrumental con la naturaleza expresada en las plantaciones de caucho, para de ahí cultivar proposiciones regenerativas desde las reescrituras del texto (tejido y textura), en la forma de prácticas performativas para el hacer de la maraña, término que se configura en el proyecto como noción, práctica, ideación experimental y método de ideación. El artículo propone la maraña como entramado procesual para hacer y pensar futuros posibles, donde se pueden activar formas del contacto que atienden al cuidado del entrelazamiento entre seres y mundos. A su vez, se presentan algunas de las prácticas emergentes surgidas de este proceso de investigación-creación, las cuales apuntan a enfatizar la potencia ecológica de las artes en medio de la crisis planetaria a través de un hacer enmarañado: los encauchamientos, el toque, los desbordamientos, el sonar, los jardinamientos y los estudios con hojas, son parte de este esbozo para un hacer enmarañado.
Derechos de autor 2025 Álvaro Iván Hernández Rodríguez, Regina María Gutiérrez Bermúdez https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Dislocar para reconocer: la estética de los procesos restaurativos de la Jurisdicción Especial para la Paz
¿Cómo preparar a víctimas y responsables de los crímenes para un encuentro dialógico? ¿Cómo transformar sus emociones, percepciones, relaciones y condiciones vitales en un proceso judicial? Creemos que la respuesta a estas preguntas parte de lo que hemos denominado dislocación restaurativa. Entendemos por dislocación restaurativa un proceso que deviene un movimiento emocional, epistémico y temporal de las partes. Estos movimientos han sido posibles con la mediación del arte y de los símbolos, pues se trata de lenguajes con la capacidad de nombrar lo inefable, de hacer audible lo que aturde, de alivianar el peso que se acumula con el tiempo. En este artículo, expondremos lo que entendemos por dislocación restaurativa en el escenario de la justicia transicional y algunos casos concretos en los que el arte y los símbolos la han permitido.
Derechos de autor 2025 Martín Posada Martínez, Angie Paola Ariza Porras, Ariel Sánchez Meertens https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artículo se propone reconsiderar los meteoritos desde el arte contemporáneo como táctica de ambiguación ontológica. Apoyándome en Martin Heidegger (ser a la mano), Bruno Latour (gran división), Mario Blaser (conflicto ontológico), Graham Harman (ontología orientada a los objetos) y Timothy Morton (hiperobjeto), pondré en consideración algo de la diversidad en los modos de elaborar sentido con categorías que suelen estar cooptadas por inmovilismos disciplinares, para presuponer estos eventos y objetos no solo como una instancia de intercambio de materia y energía con el espacio exterior, sino como interlocutores que permiten hacer sentido y redireccionar sentido. Me concentraré en tres casos: el Pequeño Museo del Aerolito de Santa Rosa de Viterbo de María Elvira Escallón, Sideral de Marcela Armas y Gilberto Esparza, y Aerolito ovino de Andrés Felipe Quintero Torres. La intención es entrever el tipo de existencia que los meteoritos tienen cuando se les interroga desde las prácticas artísticas, para interrumpir las narrativas catastrofistas y dar paso a interrogantes éticos, resignificación de la materia y colaboración multiespecie.
Derechos de autor 2025 Nicolás Leyva Townsend https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La piedra de oro y la ficción contemporánea: la práctica artística como constructora de memoria colectiva en el territorio colombiano
Este artículo reflexiona sobre la práctica artística como herramienta para construir narrativas y cuestionar discursos hegemónicos, tomando como punto de partida una experiencia personal en el territorio de Mompox (Bolívar), durante una residencia artística en 2022. A través de una autoetnografía, se aborda la relación entre el arte, la memoria y la pedagogía, explorando cómo la creación puede funcionar como un acto de recolección de semillas (ideas, imágenes y relatos) para preservar y resignificar lo que está al borde de la extinción, como los oficios ancestrales. El artículo, estructurado en cuatro actos, se centra en el mito del humo y en la figura del alfarero, resaltando el poder transformador del arte para encontrar luz y calor en lo que parece perdido a través de la investigación y la creación.
Derechos de autor 2025 María Angélica Rojas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Aprender a conjurar el miedo: relatos del proceso Grabar en la memoria con las Madres de Falsos Positivos (Mafapo)
A partir de relatos autobiográficos enmarcados en una sistematización de experiencias, se presenta una reflexión educativa sobreel proyecto de formación en arte y memoria histórica Grabar en la memoria con las Madres de Falsos Positivos (Mafapo). El narradordevela cómo, en el tránsito de la experiencia, se enfrentan miedos a la muerte y al olvido, tejiendo relaciones entrañables entre los participantes de la experiencia en cinco relatos, para, finalmente, revisar en el corolario las relaciones entre arte, educación y memoria histórica. El primer apartado es sobre el inicio del proyecto en relación con la obra De lejos parecen moscas identificando los actores y las motivaciones. El segundo apartado comparte una mirada más cercana a Mafapo, lo que enmarca históricamente la lucha que moviliza a estas madres. En busca de resignificar las memorias relatadas, la tercera parte se concentra en traer la voz de las madres durante los encuentros de cada miércoles en el taller de grabado, permitiendo que el análisis se concentre en la diferencia entre una actividad educativa en artes y una actividad artística durante la experiencia, el rol de la fotografía como dispositivo didáctico y el grado de relación, sentido y significado en la creación. Por último, se relata la forma en que el desarrollo del proyecto trasciende las fronteras del taller y se vincula con la cultura universitaria durante el paro nacional de 2019 y termina en la graduación de los participantes.
Derechos de autor 2025 Eduard Andrés Barrera Mateus https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Madres y monstruos: imágenes de violencia y muerte en las canciones de cuna como expresión del trabajo reproductivo
Este artículo es parte de un proyecto de investigación que examina la ambivalencia entre lo vital y lo letal inherente a las canciones de cuna y la experiencia materna, enfocándose en los símbolos amenazantes y violentos presentes en estas melodías. A través del análisis sociológico de los sistemas de discurso, que incluye análisis de contenido y el análisis crítico del discurso (ACD), se exploran nanas de amenaza e imágenes violentas para investigar cómo estos elementos reflejan los sentimientos negativos de madres y cuidadoras, convirtiendo las canciones de cuna en un testimonio histórico, musicológico y literario del trabajo reproductivo y la ambivalencia emocional materna. Se investigan cuatro dimensiones clave: la simbología amenazante a través de monstruos y animales, la violencia explícita en la lírica de las nanas, lo letal en lo vital más allá del ritual de protección y la canción de cuna como lamento del trabajo reproductivo. Este artículo ofrece una nueva perspectiva sobre la literatura popular de arrullo y el significado de sus símbolos, destacando la relevancia de las canciones de cuna como un testimonio de la expresión artística histórica del trabajo reproductivo de la mujer y su ambivalencia emocional en la maternidad.
Derechos de autor 2025 Àngels Asensi Soto https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Simbiosis afectiva: laboratorios de creación en medio de una pandemia
Este artículo aborda las metodologías de laboratorio virtual y creación participativa como un camino para el diálogo en torno a momentos de tensión entre la vida y la enfermedad. Se centra en la experiencia personal de la coordinación del Laboratorio Biotecológico y el Laboratorio Ecosistémico, realizados para el Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago) durante 2021 en el marco de un proyecto más amplio llamado Pichintún de Yerbas. El propósito de este espacio fue, en medio de la pandemia, generar debates y encuentros a partir de sesiones de conversación y entrevistas con personas y colectivos invitados desde las artes visuales, así como procesos de creación conjunta por participantes de diferentes latitudes. La reflexión en torno a los resultados de esta experiencia permite expresar ciertos puntos de tensión entre las miradas desde diferentes espacios geográficos y metodologías de creación, así como puntos de encuentro en el diálogo con el territorio, el espacio y la afectividad desde Latinoamérica.
Derechos de autor 2025 Andrea Ospina Santamaría https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Conjurar la catástrofe: Escrituras disfóricas, hechizos con la palabra y rituales disidentes
Este artículo es un conjuro extendido que invoca, convoca y provoca la interdisciplinariedad académica y la indisciplinariedad escritural, a través de una narrativa disfórica y rebelde, como resistencia a la rigidez de los marcos normativos. Comenzando con una práctica de dislocación del cuerpo, propiciada por la disposición anamnética, se tejen conjuros para exorcizar la catástrofe. La (des)composición del texto se va infectando con recursos sonoros, poéticos y performativos que dan forma a una suerte de ritualidad disidente y (a)teológica. Finalizando con una invitación al silencio, se espera movilizar sentipensares hacia la esperanza en estos tiempos inauditos.
Derechos de autor 2025 Anderson Fabián Santos Meza https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
quizá la nuez del mundo quepa en el centro de la mirada del hombre que ha dejado su sueño en la colina del galgo lo que quiero decir es lo que no cabe en el lenguaje el sueño de un pez que quiso ser un león que quiso ser una joven con la nuez del mundo dentro de su vientre
Derechos de autor 2025 Laura Garzón, Juan David Quintero http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
He reunido para esta presentación los registros de cinco obras físicas (hechas en carbón sobre papel) acompañadas de imágenes extraídas de los procesos de composición, y que fueron usadas como material de edición para cortos videos derivados. Las obras Charcoal Alchemy, ¿Quién desciende? y En Tela de Juicio hacen parte del proyecto llamado Simultaneidad y sucesión; las obras Personajes escritos y Personajes Escritos (interacciones) forman parte de la serie titulada Escritura con figuras. Aunque estas obras están en proyectos diferentes, hacen parte de la misma tentativa por vincular la imagen resultante al proceso que la materializa. A su vez, los videos son obras autónomas, es decir, son independientes del hecho material de los trabajos presentados.
Derechos de autor 2025 Santiago García Arias http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Contaminar los relatos: materialidades y representaciones desantrópicas
En el campo del arte latinoamericano, especialmente a través de las prácticas artísticas localizadas en el vínculo entre ciencia, tecnología y arte, parece haber una búsqueda de giros, quiebres y revisión de los modos tradicionales que están asentados en marcos histórico- estéticos occidentales y hegemónicos. En ese sentido, en este artículo se reflexiona sobre la noción de representación entendida como una narrativa, de contaminación apelando a conceptualizaciones teóricas de autores como Anna Tsing, Donna Haraway y Tim Ingold, y de materialidad, la materia/cuerpo como un actante con posibilidad de agencia, a través del uso de los retratos de Luciana Paoletti como imágenes contra-representacionales ubicadas en una línea desantrópica. La artista y biotecnóloga argentina, a través de sus retratos realizados con microorganismos y bacterias, promueve una ruptura con el canon antropocéntrico, desde la propia materialidad de la vida no humana que extrae de los cuerpos, sostenido a partir de la imagen del hombre promoviendo el ejercicio de la disidencia. Apelando a la noción de simpoiesis de Haraway, practicando el generar-con en el cultivo, estos retratos revelan las posibilidades de la contrasemejanza y de la antisimilitud como destellos de una corporalidad y una materialidad humana y no humana al margen de la historia canónica del arte y la representación abogando por una revuelta de las líneas que trazan los relatos en el arte.
Derechos de autor 2025 Eva Natalia Fernández http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
¿Cómo configurar el relato escénico de una voz que se desmarca del cuerpo? En coro te hablamos: aproximaciones a una práctica vocal expandida para las artes escénicas
Este artículo se propone cuestionar la arraigada creencia del performer como único portador, distribuidor de la voz en y para las artes escénicas, y de esta manera tensar la idea de la voz como una producción logocéntrica, adscrita exclusivamente al cuerpo humano en la configuración de dramaturgias y relatos escénicos. Preguntas sobre ¿cómo identificar/producir diversas fuentes hospedadoras de la voz en y para la escena? y ¿hasta qué punto y de qué manera cuestionar en la construcción de los relatos escénicos lo que significa ser un agente capaz de vibrar y producir voz? me sirven para plantear una idea de agencia afectiva de lo vocal, bajo un modelo distributivo que se despliega en la escucha. Hecho que pone atención en qué o en quién recepciona su sonar por sobre qué o quién lo produce. En este fin, la relación de la voz con el cuerpo se aborda mediante una concepción dilatada de este último, que incluye toda materia (orgánica e inorgánica) como una vitalidad vibrante, la cual ha sido nominada bajo la idea de cuerpo-materia. Lo anterior es situado de manera concreta en la obra En coro te hablamos porque nadie puede hablar ya por sí mismo, cuyo ejemplo y desglose ayuda a comprender las ideas expuestas.
Derechos de autor 2025 Luis Andrés Aros Sánchez http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Desentrañando el antropocentrismo: imbricaciones de artistas latinoamericanos con mundos más que humanos*
En el contexto de la crisis ecológica global y el cuestionamiento de las narrativas antropocéntricas, el arte contemporáneo se encuentra en una encrucijada entre la expectativa narrativa tradicional y el rechazo posmoderno a los grandes relatos. Este artículo examina una tendencia emergente en el arte latinoamericano que responde a esta tensión, proponiendo nuevas formas de relación con el mundo más-que-humano. La investigación se centra en las obras de Maria Thereza Alves, Tomás Saraceno y Ana Mendieta, analizando cómo estos artistas navegan la paradoja entre narración y antinarración, explorando sus imbricaciones con fuerzas terrestres más-que-humanas. La metodología combina el análisis visual y contextual de obras específicas con una revisión crítica de literatura teórica, utilizando marcos del poshumanismo, neomaterialismo y estudios decoloniales. Los resultados revelan que Alves emplea semillas como agentes narrativos que desafían las historias coloniales, Saraceno crea arquitecturas especulativas que redefinen nuestra relación con el entorno y Mendieta cuestiona las nociones convencionales de identidad a través de intervenciones corporales-terrestres. Estas prácticas artísticas proponen narrativas posantropocéntricas que son simultáneamente locales y globales, personales y políticas, humanas y más-que-humanas. El aporte original de este estudio radica en la identificación y en el análisis de estas narrativas en el arte latinoamericano contemporáneo, demostrando cómo estos artistas contribuyen a la evolución del arte, al mismo tiempo que participan activamente en debates cruciales sobre ecología, identidad y decolonialidad.
Derechos de autor 2024 Kimmel Chamat Garcés http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Piedras-verbo: recurrencia, cuerpo y relato
Tratando de establecer la relación entre relato, mito y ficción, esta escritura se desarrolla en el marco de una investigación en proceso alrededor del fenómeno rupestre como vestigio de performatividad y teatralidad, situado en un caso de estudio específico que es el Gran Mural, denominado así por sus colosales proporciones, característica significativa que da su nombre a este estilo de arte rupestre entre las sierras de San Francisco y Guadalupe en Baja California Sur (México). El aporte de esta investigación también radica en seguir nutriendo los escasos y esporádicos estudios que sobre teatro y prehistoria se han hecho a lo largo del tiempo en lo que a los estudios teatrales respecta. Me centraré en mostrar, desde el teatro y un estilo específico de arte rupestre parietal, que unos cuerpos-huellas rupestres y sus soportes sedimentarios son relatos y archivos testimoniales y documentales de unas experiencias remotas, mitologías y arquetipos más (que) humanos en una performatividad situada. A partir del pictograma rupestre como relato del mundo, el tiempo y la vida en ebullición (de entonces, de ahora), y que esa necesidad de relato (procurarlo, producirlo, propiciarlo y activarlo como factor de cohesión social, entre otros) tiene raíces que nos atañen, así como mecanismos probables, repeticiones intencionadas, ficciones y ciclos.
Derechos de autor 2024 Calafia Montserrat Piña Juárez http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
De brujas y artesanas textiles: tras-pasos científicos y tecnológicos entre materialidades, espacialidades, temporalidades y corporalidades del más allá
En este artículo, invito a imaginar que una hebra transhistórica cruza el Atlántico y enlaza a brujas europeas con artesanas textiles latinoamericanas. Más que un estudio comparativo, propongo un viaje para ficcionar relatos posibles sobre ancestralidad y conocimiento. En tal gesto de imaginación, artesanas y brujas se traspasan con fibras y rituales acumulados científicos y tecnológicos bien conocidos por ambas desde tiempos remotos. Interesado en los saberes del más allá de la academia, se refieren batallas históricas por el sostenimiento de la vida, el encanto y los lazos comunitarios. Esta especulación consta de tres partes, para las cuales me he puesto lentes feministas y de género. Primero, reviso el fenómeno de la brujería en el contexto europeo de los siglos XV al XVII. Luego, creo un puente entre la caza de brujas y la colonización en América. Por último, comento aspectos de prácticas textiles que portan consigo saberes y procesos emparentados quizás con los conocimientos de las mujeres en tiempos en los que se les acusaba de brujería. En diálogo con investigadoras textiles andinas, expreso que las prácticas textiles artesanales son resistencias políticas vigentes contra proyectos androcéntricos y extractivistas herederos del pensamiento moderno-colonial.
Derechos de autor 2024 Diego García-Bernal http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cuando la mosca habla: relatar a través del cuerpo místico y supersticioso
Este artículo presenta parte de la propuesta de investigación “Relatos supersticiosos como estrategia artística para la construcción de la realidad imaginada”, trabajo que inicia a partir del desarrollo del proyecto de investigación + creación Mosquerías, en el que se indagan formas de relatar en el arte contemporáneo. A partir de historias acerca de cuerpos que se aparecen, mitologías contemporáneas y perspectivas místicas del mundo, exploro la construcción de la realidad a partir de imaginarios comunes y de lo que denomino la “verdad a oídos”. El objetivo de este trabajo es evidenciar los cruces y las formas transversales de hacer en el arte, en las que es posible descentralizar la historia a partir de narrativas populares, en la búsqueda de procesos de memoria personal y colectiva, discursos en torno a la identidad, la migración de la palabra, la representación social de la realidad a través del discurso manipulado y la pragmática del lenguaje que se manifiesta desde la creación artística. Para ello, exploro a través de relatos supersticiosos y místicos que se relacionan con la imagen de la mosca, presento antecedentes artísticos y expongo la obra que surgió hasta el momento de esta investigación.
Derechos de autor 2024 Daianna Sierra Camacho http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Las Extraterrestres: desmontaje de una escritura mutante
A partir de la idea de “desmontaje” de Ileana Diéguez, este artículo de reflexión en primera persona desmontará los procesos poético- político-performativos que gestaron mi libro/performance Las Extraterrestres. Estructurado como un guion en cinco actos, alterna entre las reflexiones teóricas y metodológicas de una literata in-disciplinada y diferentes acciones y textos que forman parte de la lectura performativa del libro. El primer acto sitúa mi posición como escritora y creadora en la academia retomando discusiones de la investigación-creación y el interés por la poiesis. El segundo acto hace una caracterización desde la literatura, pensando con Reinaldo Laddaga en las nuevas preguntas que se abren para el texto literario en la “época de la declinación del libro”; el tercer acto explora la rabia como motor de escritura desde una perspectiva feminista, dialogando con Audre Lorde, Laura Quintana y el archivo de feministas furiosas que formaron parte de la investigación para la escritura; el cuarto acto habla de la manera en que la escritura performativa, usada de manera poética, perfila la escritura de este libro, inspirada en las estéticas blasfemas y delictivas, no creativas, desapropiativas y de compostaje que proponen Kenneth Goldsmith, Verónica Gerber, Cristina Rivera Garza y Donna Haraway; el quinto acto habla de cómo me ubico en el campo expandido de la literatura, de la relación que establezco con la performance y de la manera particular en que este libro se despliega fuera de la página en una puesta en escena y en un laboratorio de escritura viva.
Derechos de autor 2024 Juliana Borrero Echeverry http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Vulva escribe con sangre y la letra con sangre entra: una aproximación desde la estética de la abyección al trabajo artístico de Nadia Granados y el Colectivo Zunga
El artículo se aproxima a los trabajos Antifálica (2000) y Asco y sangre (2010) de Nadia Granados, y a las obras Nosotras las de sangre azul (2012) y De capullo a flor (2013) del Colectivo Zunga, desde el concepto de abyección planteado por Julia Kristeva y, en particular, desde la sangre como forma de escritura abyecta de Vulva. En el caso de Granados, se muestra la oposición entre el asco que genera la sangre menstrual y la “naturalización” del interminable río de sangre producido por la violencia en Colombia. En el del Colectivo Zunga, se cuestiona la higienización de la sangre menstrual desde los discursos publicitarios y el doble mensaje social y mediático (abyección/romantización) en relación con la menstruación como ritual de paso. En ambos casos, las obras trabajadas no han recibido la suficiente atención por parte de la crítica. Las lecturas de la obra de Granados privilegian su obra Colombianización, los imaginarios audiovisuales, la resistencia en términos de género y sexualidades; las escasas del Colectivo Zunga se acercan más a la postura del grupo como artistas que a interpretaciones de su obra. El trabajo más cercano a este artículo es el de Claudia Mandel, quien menciona lo abyecto en obras visuales contemporáneas, pero no aborda ningún nombre nacional. En este sentido, este artículo aporta al campo de la crítica artística colombiana del siglo XXI tanto desde las obras de las artistas trabajadas como desde el enfoque propuesto.
Derechos de autor 2024 María Isabel Reverón Peña, Mario Antonio Parra Pérez http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Memoria y transformación: el papel de las narrativas en la creación artística del Colectivo Estopô Balaio
Contar un hecho o un acontecimiento vivido es rehacerlo dentro de sí, reconstruyendo caminos y elevándolo a una nueva perspectiva. Cuando ese relato sucede en el contexto de la práctica artística, se abren posibilidades para reconfigurar el pasado, crear conexiones con el presente e impulsar el futuro a través de esta acción. Cuando la memoria individual es rehecha teniendo el arte teatral como medio activador, somos capaces de posicionarlo en el contexto de la memoria colectiva, insertándonos así, como sujetos de una historia compartida. De esta manera, el presente artículo tiene como intención reflexionar sobre el trabajo artístico desarrollado por el Colectivo Estopô Balaio, grupo teatral residente en el barrio del Jardim Romano, en la ciudad de São Paulo - Brasil. Con más de 10 años de actuación en el territorio situado en el extremo este de la capital paulista, sus procesos creativos son permeados por las memorias y las historias de vida de los habitantes de la región, produciendo de esta forma nuevos discursos y reforzando lazos identitarios entre los habitantes y su barrio. La intención de este trabajo es resaltar la importancia fundamental de las artes, principalmente aquellas ancladas en las prácticas artísticas comunitarias, para la manutención y preservación de narrativas alternativas a la continua tendencia de la homogenización de los saberes y los modos de vida. Para eso, serán utilizados como soportes teóricos, el análisis del performance inscrito bajo el signo de la Oralitura de Leda Maria Martins y de la Escrevivência de Conceição Evaristo, además del concepto de Prácticas creativas de re-existência acuñado por Adolfo Achinte.
Derechos de autor 2024 Daniela Mota Silva, José Eduardo Silva http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Los devoró la selva: Trayectos de investigación + creación
Este artículo tiene como objetivo rastrear las operaciones creativas que se llevaron a cabo en el proyecto de investigación + creación Teatro en Vivo/Teatro Virtual avalado por la Vicerrectoría de Investigación de la Pontificia Universidad Javeriana Sede Bogotá. Este proyecto tomó como punto de partida La vorágine de José Eustasio Rivera, a propósito de la conmemoración de sus cien años de publicación, para preguntarse por el paradigma extractivista e imaginar posibilidades de resalvajar el mundo desde las artes. Como ruta metodológica, en el proyecto se hizo una revisión de bibliografía crítica sobre La vorágine, se analizaron diferentes versiones escénicas de la novela y se implementaron estrategias performativas, como viajes, laboratorios creativos y desmontajes. El resultado del proyecto es una puesta en escena titulada Los devoró la selva, compuesta por varios dispositivos que migran por diferentes formatos: la puesta en voz, el teatro radiofónico, la obra escénica presencial y la conferencia performativa.
Derechos de autor 2024 Eloísa Jaramillo Arango http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Sobre la víctima del conflicto armado en el cine colombiano reciente
El propósito de este artículo es analizar las maneras formales y funcionales en las que se relata el actor social llamado víctima del conflicto armado colombiano y sus posibles testimonios en algunos de los largometrajes transnacionales de ficción colombianos de los últimos tres lustros. Para dar cuenta de esto, se acude a la compresión del cine como un archivo histórico que admite ser interpretado desde herramientas propias del análisis discursivo y los regímenes de audiovisualidad. Los resultados muestran la aparición de un nuevo cine, aquí llamado el cine-stésico, caracterizado por revelar los efectos encarnados del dilatado conflicto armado en las existencias de las víctimas y por facilitar los testimonios de los traumas de la guerra a través de códigos no verbales, primordialmente. En las conclusiones, se despliega, por un lado, un cine-stésico cuya función es ser delegado resonador de lo sucedido en los bordes de la geografía nacional, mostrando cómo la violencia moral se vive como secuela de una reingeniería social efectuada en el suelo de una nación mutilada; y por otro, un cine-stésico cuyo régimen es el de una visualidad-de-la-escucha, una experiencia que incita a prestar el oído para poner cuidado al trauma recreado y para custodiar lo que queda de humanidad en las víctimas.
Derechos de autor 2024 Éder Alexánder García-Dussán http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
El artículo se propone desde la cinefilia observar la recepción de las imágenes del cine en el contexto de su último lugar de circulación, exhibición y consumos. Primero, la manera en que la imagen resulta ser una huella o marca de un mundo en permanente transformación y degradación, expuesta a la mirada de su público. Luego, median- te el término imagen-pobre examina las potencias políticas que se dan al apropiarse de estas legal o ilegalmente, para ampliar sus alcances sociales y culturales en su explotación, exhibición y consu- mos. En un tercer momento, pasa a dar cuenta de la manera en que estas, dadas sus condiciones de explotación industrial y comercial, tienden a arruinarse para adquirir transformaciones formales que expresan en sí mismas el orden socioeconómico en el que circulan y se exhiben. Finalmente, estas imágenes continúan transformándo- se en el recuerdo de sus espectadores, asumiendo la misma volatili- dad y labilidad de la memoria. El cine depende así de sus contextos tanto en la producción como en los últimos estados de su cadena de explotación de la circulación y exhibición.
Derechos de autor 2024 Mauricio Durán Castro http://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Relatar en el arte: materias, dramaturgias, imbricaciones y perspectivas de mundo en América Latina
Este dosier tiene su origen en una inquietud fecunda que, en su momento, me tomó despreve- nida. Esta llegó con la invitación de Sara Regina Fonseca, editora general de Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas, a preparar un número de la revista en torno a “relatar en el arte”. La misma formulación de la expresión me sorprendía quizá porque había dado por terminados o poco conducentes los debates al respecto. Suponía, sin saberlo ni pensarlo muy bien, que ya desde la segunda mitad del siglo XX, declarada la muerte de los grandes relatos y de la representación en los ámbitos del pensamiento y el arte occidental, no quedaba más que tomar posición con respecto a estas muertes: negarlas o asumirlas, y hacer de esta posición un marco dentro del cual caben, o no, determinadas decisiones poéticas.
Derechos de autor 2024 Alejandra Marín http://creativecommons.org/licenses/by/4.0