Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas
ISSN: 2215-9959 (En línea) | ISSN: 1794-6670 (Impreso) Música; Artes visuales y artes escénicas Scopus | Emerging Sources Citation Index | EBSCO | ProQuest La revista Cuadernos de Música, Artes Visuales y Artes Escénicas fue creada en enero de 2004 en la facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Es una publicación arbitrada de periodicidad semestral que promueve el ejercicio de la investigación, la reflexión y la crítica, desde amplias perspectivas metodológicas y teóricas, estimulando el diálogo entre artistas, investigadores, estudiantes y otros públicos. En la actualidad la revista MAVAE difunde textos inéditos por convocatoria, en las categorías de investigación o reflexión, en español, inglés y portugués.
Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá
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Paisaje hablado de una guerra en la montaña: Cartofonía
Medellín, Colombia, 2002. Se están librando intensos combates en la comuna 13, subiendo el occidente de la ciudad. Milicias urbanas de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC) se enfrentan al Ejército colombiano y los paramilitares, creando el escenario de una intensa guerra urbana. Este es un mapa que ubica la información escuchada en una entrevista radial a una señora testigo de este conflicto. La mujer habitante del barrio El Salado narra diversas situaciones que ha percibido alrededor de la urbanización donde vive y donde se siente encerrada por la escalada de la violencia. En la cartofonía, se trazan aspectos de la transmisión: la ubicación de los hablantes, los lugares mencionados por ella y los medios de comunicación utilizados durante la llamada.
Derechos de autor 2026 Esteban Ferro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Entre ojos: ensayamos la vida y creamos un cine para mi(g)rarnos con amor
Asombro y ternura son las emociones que mueven esta escritura reflexiva, que indaga el carácter de obra artís- tica de Entre ojos: Cine comunitario para mi(g)rarnos con amor. Su apuesta pedagógica, política y creativa se enraíza en el proceso intencional, y sostenido en el tiempo, de mantener mi práctica artística en los márge- nes del canon. Es en ese margen donde me encuentro a crear con otres que, como yo, encarnan la experiencia de habitar los bordes de la sexualidad y el género, y que, en el caso particular de Entre ojos, también viven- cian la racialización, la migración, la diáspora o el exilio.
Derechos de autor 2026 Ana Lucía Ramírez Mateus https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
TEMPUS/PACHA: de la creación contemporánea a la creatividad del muyu
Este artículo tiene como finalidad describir el proceso creativo de la obra interdisciplinar TEMPUS/PACHA, que reúne textos, música, arte sonoro, performance, imagen y puesta en escena alrededor de la cosmotécnica andina. Se propone una metodología autoetnográfica, que subraya la confrontación entre modelos hegemónicos de producción artística y paradigmas estéticos o conceptuales divergentes. De igual manera, se describen aspectos técnicos y formales de la construcción de la obra, que tiene como punto de referencia la grabación realizada para el ciclo Perspectivas Sonoras llevado a cabo por el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (CMMAS). Se destaca, en particular, la importancia de la lengua como técnica primigenia y columna vertebral del pensamiento de un pueblo, puesto que, en su contenido y estructura, se esconden las diversas formas de ver el mundo.
Derechos de autor 2026 Fredy Vallejos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
El gusto disidente: una aproximación culinaria a la colección del Museo de Arte Moderno de Bogotá
Este artículo sopesa cómo los procesos de investigación-creación pueden desdibujar las fronteras disciplinares e institucionales en el ámbito artístico. A partir de la experiencia de la cocinera-antropóloga Cristina Consuegra y su Tamal de telita, desarrollada en el marco del proyecto “¿Qué nos alimenta? De corazones y estómagos en la colección del Museo de Arte Moderno de Bogotá” de Júlia Farràs, proponemos una aproximación a la colección del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) desde la cocina, el afecto y la escucha. Entendemos el gusto como una forma legítima de conocimiento y disidencia frente a saberes artísticos hegemónicos y jerarquizados, destacando procesos inesperados que emergen de la experimentación y el rompimiento con los límites del arte, la práctica museal y lo culinario.
Derechos de autor 2026 Nicolás Perilla Reyes, Susana Vargas-Mejía https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Corrientes marítimas y pensamiento archipelágico en la experimentación abstracta y queer de Nayda Collazo-Llorens
Nayda Collazo-Llorens es una artista puertorriqueña reconocida cuyas obras se han incluido en varias colecciones artísticas tanto en Puerto Rico como en los Estados Unidos. Si bien ya se ha comentado su obra, esta merece un estudio más fondo que les preste atención a sus operaciones conceptuales y su experimentación. Inspirado por la reflexiones de la artista sobre el archipiélago, este artículo es el producto de mis investigaciones en desarrollo de su obra. Identifico y discuto dos corrientes marítimas que recorren, alimentan y guían la abstracción queer relacional de la artista entre 2008 y 2020, y la exploración y las operaciones formales, contextuales y conceptuales con el triángulo y la cuadrícula que se utilizan como dispositivos conceptuales para crear una cartografía queer. Propongo que es esta abstracción y queering que simplifica, mezcla, complejiza, fragmenta, interfiere, expande, arrastra, invagina, multiplica e implementa un desdoblamiento múltiple arquitectónico, con lo cual promulga una epistemología archipelágica para dar cuenta de los territorios cambiantes de la vida en la diáspora y de una cartografía decolonial de la navegación.
Derechos de autor 2026 Juan Carlos Guerrero-Hernández https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Alrededor del fuego: laboratorio de experimentación sonora para hacer de la escucha y el sonido prácticas de refugio, contención y resistencia
Este artículo presenta el proyecto Alrededor del fuego, un laboratorio sensible que se construye desde la escucha activa y reflexiona sobre el potencial del arte sonoro para acompañar experiencias de violencia de género desde una perspectiva afectiva, situada y colectiva. Describe dos ejecuciones de dicho proyecto: una acción en el contexto de una marcha feminista y otra en un taller en el contexto universitario. En ambos casos, se evitó la representación explícita de la violencia, privilegiando prácticas sonoras que permitieron compartir el dolor más allá de lo impuesto por los marcos convencionales de denuncia o representación. La metodología se construyó de forma abierta y situada, en diálogo con las participantes y sus necesidades y formas de participación. El proceso dio lugar a piezas sonoras colectivas que funcionan como testimonio afectivo y forma de denuncia no tradicional. Por último, reflexiona sobre cómo a través de la escucha y la creación sonora pueden habilitarse espacios de expresión, vínculo y memoria, ofreciendo caminos sensibles para acompañar procesos de sanación individual y colectiva.
Derechos de autor 2026 Mariana Sepúlveda Morales https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Experimentos sobre escrituras ampliadas y la partitura en el grupo argentino Efimerodramas: hacia lo inestable, lo indeterminado y la desestabilización de jerarquías
El artículo abordó el proceso creativo llevado a cabo por el grupo argentino Efimerodramas durante los años 2017-2019 en Córdoba (Argentina), a partir de la puesta en tensión de un método de creación teatral con el arte de la performance. En una escena contemporánea signada por los cruces y las hibridaciones, se da cuenta de cómo la propuesta de una escritura ampliada y estructurada alrededor de la noción de partitura matriz lleva a Efimerodramas a generar acciones performáticas duracionales, cuya principal característica es la imposibilidad de ser controladas y, por tanto, el debilitamiento de los tradicionales lugares de autoridad teatral. De esta manera, el descentramiento producido sobre la jerarquía de elementos de la escena incide en la palabra, que se transforma en ausencia, los personajes (ya discutidos por el método de origen) corren similar suerte y la representación es negada. El trabajo mediante la partitura matriz genera tipos de orden complejo, autoordenado, que planteamos como una forma de concebir y hablar del mundo: lejos del autoritarismo de una escena que se sabe dueña de una verdad a transmitir, con procesos de composición grupal en los que la autoría es compartida. Pequeños gestos de rebeldía en la oscuridad del mundo actual.
Derechos de autor 2026 Sebastián Huber https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Un relato sonoro con higuerillas (Ricinus communis)
Este artículo presenta un proceso de investigación-creación artística que involucra debates sobre el concepto de agencia implicada en las etnografías multiespecie y las ecologías afectivas. El relato sonoro con higuerillas está narrado desde dos perspectivas complementarias: una textual y la otra mediante una pieza sonora. La investigación-creación se llevó a cabo con la participación de diferentes higuerillas (Ricinus communis) que habitan o que habitaban en el Huerto Agroforestal Universitario (HAU) ENES, UNAM, así como otras que habitan en distintas partes de Morelia y la Ciudad de México. Además, en la configuración del relato sonoro, participan agentes que sostienen el HAU y otrxs actantes tecnológico-mediales. También se proponen algunas ideas para pensar las ecologías políticas de afectos vibracionales, configuradas, entre otras cosas, por enredos acústicos, afectivos y semióticos que atienden a las tensiones, las distensiones y los temperamentos que les dan dis- tintas consistencias a los encuentros. Con las ideas presentadas, se proponen algunas estrategias pragmáticas que buscan desafinar modos de relación dicotómicos y jerarquizantes, entre humanxs y más que humanxs, que le dan consistencia al sentido común colonial-capitalista-patriarcal, para cultivar otras maneras de cohabitar.
Derechos de autor 2026 Fernando Javier Lomelí-Bravo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
“Alimentos inadvertidos”: experimentaciones entre ecologías de prácticas artísticas, pedagógicas y de cuidado
Instalándonos entre la proposición de Donna Haraway de “seguir con el problema” y la de Hélio Oiticica de “experimentar lo experimental”, presentamos una serie de estrategias desde las cuales buscamos ganar intimidad con el campus de la Universidad Nacional de Colombia, Sede Medellín, suerte de jardín botánico, que aparece como un espacio de afirmación de nichos vitales, a partir de gestos de investigación-creación desde operaciones cartográficas multisensoriales. Como resultado, emerge el proyecto de cocreación multimedia Alimentos inadvertidos, un gesto de creatividad colectiva más que humana que desde una videoinstalación dice de una disposición sensible con el mundo en medio de una ecología de prácticas artísticas, pedagógicas y del cuidado, en la que una ética radical de una convivialidad multiespecie toma lugar. Finalizamos reclamando la urgencia de experimentar una serie de deslímites y de hacer de todo lugar, en nuestro caso el campus, nuestra Tierra, para ser y devenir con ella como aprendizaje situado y singular de quien acoge el hecho de vivir y morir en un planeta en ruinas.
Derechos de autor 2026 América Larraín, Sebastian Wiedemann, Natalia Pérez https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Añoranza y (des)identificación en composición musical: perspectivas latinoamericanas desde una mirada liminal
Este artículo pretende mostrar un vector de diferenciación entre el nacionalismo y la autoetnografía en la disciplina de la composición musical. Busca penetrar en las razones más íntimas que modulan la elaboración de un lenguaje propio en el que nutrirse de elementos de músicas tradicionales, populares, urbanas, rurales, de tradiciones orales o escritas no implica una exaltación chauvinista o atisbos de un posible sentido de orgullo nacional: simplemente un estado de contemplación de la resonancia del afuera en el adentro, y viceversa, en una simbiosis que se cose de sonidos, a veces concretos y referenciales, otras veces abstractos. Se hace uso de la autoetnografía, de citas a pares que han emprendido búsquedas afines y entrevistas a distintos compositores. Una de las conclusiones más importantes es el desenmascaramiento de la idea de identidad, apoyada en la necesidad de hacer parte de un grupo (una nación), en que el arte como escucha del sí mismo puede ser suficiente comunidad o consuelo ante la soledad y el destierro que implican existir. El artículo aporta la idea de que el retorno al hogar, que, en ocasiones, perseguimos en la vida y en arte, precede al lugar/país de nacimiento y de supuesta pertenencia.
Derechos de autor 2026 Carolina Noguera Palau https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Doméstico y salvaje: Humberto Rigalli y la experimentación artística en el umbral público-privado
La obra de Humberto Rigalli (1918-2016) tensiona las fronteras espaciales y disciplinares que definen el arte legitimado, al hacer del espacio doméstico un espacio de experimentación y enunciación estética y política. Lejos de una expresión ingenua o marginal, su obra se sitúa en una zona de ambigüedad entre arte y no arte, público y privado, profesionalismo y afectividad, desafiando las categorías consagradas del sistema artístico. Este artículo propone una lectura situada de su trabajo a partir de los marcos conceptuales de arte otro y arte salvaje y amaneramiento. Propone también la noción de ecología doméstica para dar cuenta de los condicionamientos de su espacio de producción. Incorpora, finalmente, una caracterización del pensamiento profético, para explicar su dimensión política no programática. Estas categorías contribuyen a pensar el espacio del hogar como lugar de experimentación y enunciación estética y política. A través del análisis de obras como Apogeo y muerte de Artigas y Árbol cantegril, el artículo examina cómo Rigalli convierte lo doméstico en un umbral de enunciación crítica que articula invención técnica, narración simbólica y gesto profético. Se aborda también el problema de la institucionalización del arte otro, a partir del deterioro de Árbol cantegril tras su ingreso en el museo. Finalmente, se plantea que el valor de la obra de Rigalli no reside en su adecuación a las formas legitimadas del arte, sino en su potencia de interpelación simbólica, su persistencia experimental y su vocación de inscribir el hacer artístico en la vida cotidiana.
Derechos de autor 2026 Marcos Rostan Davyt https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Regurgitar: volver a pasar por la lengua lo que nos hemos tragado. Correspondencias, improvisaciones y resonancias tras una experiencia danzada
Esta escritura es una correspondencia, una improvisación, un experimento temporal marcado por una cierta duración, por un procedimiento corp-oral-fabulador (regurgitar), por una rigurosa superstición, que, dotada de una dosis de atención, se propone sentipensar las prácticas de contacto de la improvisación en la danza. Su decidida acción de escribir entre dos, a cuatro manos y bajo el vértigo de la lentitud que sostiene los efectos de la improvisación en los cuerpos de quienes escriben contiene la urgencia de amplificar los marcos de resonancia que la danza y sus potenciales perspectivas de experimentación tiene para con la vida y con el presente agónico y reclamante de nuestra responsabilidad. Por tanto, este intercambio del pe(n)sar que va y viene, a la manera epistolar, propone abrir un lugar a las regurgitaciones, restos, sobras, ripios, rastros, balbuceos, que oscilan, sin decantarse, entre lo apenas nacido y lo que se encuentra en vías de descomposición. Y, de esta manera, proponer vías alternas que nos inviten a fabular prácticas de atención, de improvisación que se desenfoquen de su deseo del momentum y de la productividad propia del mandato de las artes y las performatividades contemporáneas. Esta correspondencia inicia en el marco del IV Encuentro Contacto Improvisación Colombia en Savitri (Villa de Leyva, Colombia) en junio de 2025, y se extiende por una semana continua. La invitación consiste en hacer algo con el entusiasmo que nos dejó el encuentro, activar una conversación en relación con nuestras prácticas e intuiciones, así como sostener el ir y venir de una escritura hecha a distancia y vía correo electrónico.
Derechos de autor 2026 Sofía Mejía Arias, Natalia Orozco Lucena https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Resonancias cinematográficas: puntos de encuentro y desbordes entre la definición del cine experimental-estructural con la obra fílmica de Narcisa Hirsch y Rose Lowder
El cine experimental, entendido como un concepto poroso originado en el mundo occidental, tuvo una vertiente estructuralista que influenció la producción de películas particulares realizadas en América Latina, las cuales tomaron cierta distancia de los postulados del tercer cine, de gran auge durante las décadas de 1960 y de 1970. Alrededor de ello, e inmediatamente después, en las décadas de 1980 y de 1990, aparecen dos cineastas y artistas visuales: Narcisa Hirsch nacida en Berlín, pero desarrollando su obra desde Argentina, y Rose Lowder, nacida en Lima y trabajando su obra desde Francia. A primera vista, podría decirse que sus piezas fílmicas dialogan con el estilo y los fines del llamado cine estructural de origen anglosajón. Sin embargo, las dos cineastas, a pesar de partir de esta corriente cinematográfica, no pretendieron seguir al pie de la letra sus cánones. Así, reflexionamos sobre las resonancias fílmicas que Hirsch y Lowder proponen más allá de los fundamentos del cine estructural. Para ello, primero, partimos de la discusión sobre cómo definir el cine experimental y estructural, citando a autores de Occidente y América Latina, como Duncan Reekie, A. L. Rees, P. Adams Sitney, Peter Gidal, Juan Pablo Lattanzi, Andrea Giunta o Silvestre Byrón. Y, segundo, analizamos piezas fílmicas de Hirsch y Lowder en atención a otros autores diversos. Esto nos dará luces sobre dos figuras clave femeninas que proponen una transformación en el lenguaje cinematográfico, poniendo en cuestión no solo cómo pueden percibirse las imágenes del cine, sino también cómo se entiende el concepto de cine experimental desde la región o fuera de ella.
Derechos de autor 2026 Paola Vela Vargas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Prácticas experimentales en el nordeste argentino: ensamblajes imago-materiales y otras invenciones decoloniales con archivos
El artículo busca compartir una serie de reflexiones sobre una experiencia de investigación-creación que reúne procedimientos y gestos experimentales en un conjunto de obras de distintos soportes y formatos: audiovisual, conferencia performática, videoinstalación y página web. El punto de partida es el acervo fotográfico del antropólogo alemán Robert Lehmann-Nitsche vinculado a la masacre indígena de Napalpí ocurrida en el Chaco (Argentina) en 1924. Este acervo, alojado en el Ibero-Amerikanisches Institut (IAI), se articula con registros audiovisuales sobre la persecución al pueblo qom durante la pandemia de covid-19 en 2020. Desde el punto de vista teórico y metodológico, la investigación plantea la vinculación no lineal entre ambas temporalidades a través de la noción de movimiento de precedencia, según la cual toda pretensión de inmediatez con el pasado y, en particular, con el archivo, es obliterada. En tal sentido, explora diversas aristas de “imaginaciones materiales” y discute las potencialidades epistémicas, poéticas y políticas de los “ensamblajes anarchivistas” como forma de resistencia a los abusos de poder históricos y contemporáneos. La relación entre arte, archivo y dispositivos tecnológicos de vigilancia es problematizada mediante la reflexión sobre las estrategias descolonizadoras experimentales que intentan desafiar los dilemas de investigaciones con/sobre archivos, situándose en las fronteras inter- y transdisciplinares.
Derechos de autor 2026 Alejandra Reyero, Maia Navas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La experimentación en el arte: resistencias, expansiones, disoluciones y desbordamientos en las prácticas artísticas latinoamericanas
Desde la convocatoria para este dosier se invitó a compartir reflexiones, experiencias y procesos en torno a las complejas y alquímicas relaciones que brotan en el encuentro entre el propósito creativo artístico y la necesidad de experimentar en/desde/con los límites de las ideas, las técnicas, las herramientas, los recursos, los referentes, los modos de hacer y las dinámicas relacionales en el entorno y el contexto en el que se desarrollan las creaciones artísticas. Bajo esta lupa, los textos evidencian la necesidad actual de quienes crean desde el arte por abrir las conversaciones con esferas diferentes a las del accionar disciplinar propio para dar cabida a la pregunta por la posibilidad de disolver o agrietar las fronteras disciplinares, tanto dentro de la esfera artística como fuera de ella. También es recurrente la preocupación por las emergencias en las que nos encontramos: ambientales, políticas, sociales, así como la urgencia por posicionarse frente al accionar político del arte y la necesidad de situarse en relación/ conexión con América Latina. Asimismo, la necesidad de subvertir los cánones establecidos o las categorías fijas y la premura por cuestionar de manera certera los afanes de homogeneización en la creación artística.
Derechos de autor 2026 Ana María Romano Gómez https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Derechos de autor 2026 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La sembradora de agua del humedal La vaca, Dora Consuelo Villalobos Burgos
A lo largo de muchos años, este espacio que con pulso débil apenas respiraba pasó a componerse de diversos latidos que hoy se escuchan con vehemencia: un cuerpo palpitante. Bajo toneladas de escombros, la vida seguía allí, esperando ser recordada. Fueron muchos los seres que lo vieron morir, pero también muchos quienes lo han acompañado y alentado a volver. Dora, sembradora de agua y madre supo reconocerlo, pudo acunarlo y verlo crecer nuevamente. Como una Nepantlera, cuidadora de lo que florece en los márgenes, empezó a trenzar entidades humanas y no humanas, a leer los signos del agua enterrada, a abrir poros donde solo había límites e hizo del paisaje un tejido de encuentros. Su gesto fue el de la escucha, el de la siembra lenta, el de la paciencia. Desde allí, tejió vínculos y enredó raíces con voluntades, conectó el agua con la memoria. De este modo, el humedal (su obra y uno de sus hijos) es un textil vivo.
Derechos de autor 2025 Dora Villalobos Burgos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Aluvión: el perdón como acto revolucionario. Un límite es un punto de diálogo
Mi trabajo es un nudo apretado entre el territorio y la emoción, el duelo individual y colectivo, la palabra y el encuentro. Habito con una de las materias más fundamentales en los procesos de cambio colectivo: las emociones compartidas. Mi quehacer está profundamente vinculado al acompañamiento y a la búsqueda constante de esa energía vital que emana del sentir colectivo. Enfrentarnos al paradigma moderno revela las consecuencias de sistemas neoliberales y extractivistas que han moldeado nuestras formas de vida. Esta separación entre lo humano y lo natural no solo es artificial, sino también una expresión de miedo: el miedo que impulsa el deseo de la ilusión máxima: el control. Pero la naturaleza no es solo entorno: determina profundamente lo que somos, lo que sentimos, nuestras raíces, nuestras luchas y la forma en que trazamos nuestros caminos tanto a nivel individual como colectivo.
Derechos de autor 2025 Carmen Caro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Dislocar la catástrofe: arte, limbos y pulsos
Este dosier reúne voces que, tras la imagen del desastre y la inminencia de la muerte, revierten el paradigma de lo catastrófico. Detectamos imágenes que confrontan panoramas fatalistas que describen el tiempo como estático y rígido, y que a partir de ahí rescatan y señalan espacios como nichos de posibilidades. ¿Es la relación vida-muerte una dicotomía? Panoramas apocalípticos, generalmente de o asociados a crisis socioecológicas, aparecen todos los días en diferentes plataformas de información. Fronteras erigidas para dividir territorios, ocupar otros y fragmentar cuerpos; bosques ardiendo en llamas; ríos sin cauce; orillas cada vez más extendidas o reducidas; derramamientos de petróleo en medio del océano; años calurosos nunca antes experimentados; pandemias; relaciones de acaparamiento y despojo; humanos cómplices silentes del genocidio de un pueblo. Cúmulos de imágenes que gritan por sí mismas inundan nuestros contextos. El punto que nos inquieta del paradigma de lo catastrófico navega en esa imagen que va más allá de sembrar una alerta y que presupone un cuerpo y un tiempo estático, que no permite concebir en los paisajes devastados, en los espacios abandonados, en el dolor, en la ruina y en el duelo un después.
Derechos de autor 2025 Santiago Lemus, Camila Duque-Jamaica https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Ser barro, hacer mundo: prácticas cerámicas cubeo y correspondencias multiespecies con el suelo vivo
Este artículo se sedimenta en la interacción entre el colectivo Cubay Jëjënava, conformado por indígenas cubeo del Vaupés, y el suelo arcilloso de la Amazonia, particularmente el barro azul, considerado excremento del güío progenitor. Este material trasciende su carácter utilitario para convertirse en un sedimento vivo cargado de memorias de la Tierra. Mediante técnicas tradicionales, como el amasado y la quema, el barro azul se transforma en objetos que no solo cumplen funciones prácticas, sino que también preservan historias que entretejen lo humano y lo no humano, lo vivo y lo no vivo. Reviso la historia geológica de los suelos amazónicos, formados hace millones de años, destacando que, lejos de ser infértiles, estos suelos actúan como agentes activos en la co-creación de vida y en la interacción con las comunidades humanas. Las arcillas azules y grises, a menudo consideradas limitantes desde narrativas científicas y coloniales, son resignificadas por las prácticas indígenas como compañeras en la generación de formas de vida y posibilidades creativas. Los colores de la Tierra (blanco, amarillo, azul y rojo) son esenciales en estas dinámicas, ejemplificadas por el carayurú, un pigmento rojo utilizado como sustancia de protección, curación y comunicación, que también se utiliza para crear trazos protectores en los rostros de quienes trabajan con el barro azul, cuyas formas se replican en las cerámicas y reverberan en pinturas de rocas antiguas. Este vínculo refuerza la conexión entre los cuerpos y el territorio, subrayando la interdependencia entre el suelo y quienes lo habitan, así como demostrando que el suelo, lejos de ser una entidad inerte, es un organismo vibrante y en constante transformación, capaz de generar vida y significado a través de las prácticas materiales indígenas.
Derechos de autor 2025 María Camila Montalvo-Senior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Quien no está listo para la fiesta no está listo para la guerra: pulsiones de vida contra políticas de muerte
Este artículo es fruto del proyecto de creación-investigación “Laboratorio de teatralidades latinoamericanas: Fiesta y guerra”, coordinado por los docentes de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) desde agosto de 2023. Con más de veinte participantes, el espacio teórico-práctico se convirtió en una oportunidad para investigar principios comunes entre las fiestas y luchas populares en América Latina. Ejemplos de estos principios son la acción y autoorganización en comunidad, la reivindicación por la memoria y la justicia a través de operaciones simbólicas dilatadas, la toma de espacios públicos, la irreverencia contra esquemas normativos y el constante estado de juego. Además, pensamos y experimentamos la fiesta y su pulsión de vida como lucha y resistencia frente a sistemas coloniales de mortandad que hace más de quinientos años intentan barrer del mapa todo y cualquier vestigio de cuerpos, saberes y memorias disidentes que son considerados descartables por las estaturas del poder. Tanto la fiesta como la lucha demandan un cuerpo urgente y colectivo que, con su potencia y afirmación de existencia, ahuyentan las políticas de muerte y desencanto del Cono Sur. En nuestro laboratorio, inventamos colectivamente dispositivos y juegos capaces de tejer estas dos instancias, haciendo dialogar sus principios y, de esta manera, mediante exploraciones escénicas, se construyen imágenes corales que puedan subrayar en la retina de la memoria la idea y práctica de que “estamos vivos a pesar de la muerte”.
Derechos de autor 2025 Ana Julia Marko Kirchhausen, Jorge Luis Villanueva Bustíos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Fisiones en el tejido sensible de lo vivo: la experiencia estética en tres creaciones bioartísticas sobre la semivida, la extinción de vidas distantes y la muerte de vidas próximas
A través de este artículo, busco comprender la experiencia estética de varios espectadores en tres creaciones bioartísticas: Victimless Utopia (2003-2006) de TC&A, Malamp: Reliquaries (2001-) de Brandon Ballengée y Mother and Child (Divided) (1993) de Damien Hirst. Partí de un enfoque hermenéutico-fenomenológico de corte cualitativo basado en la propuesta de la etnografía sensorial. En entrevistas antropológicas en profundidad, así como mediante una autoetnografía, exploré los diálogos que once espectadores, de características heterogéneas, entablamos con las obras, a fin de comprender nuestra experiencia estética. Encontré que las piezas mencionadas ponen en crisis nuestra noción de lo unitario y ciertos dualismos perniciosos del pensamiento occidental, lo que da lugar a la monstruosidad, mediante la fisión del tejido sensible, la hiperestesia y el disenso. En este proceso, emergieron nuevas categorías de pensamiento, como la semivida, la vida distante y la vida próxima. Pude concluir que la experiencia estética puede estructurarse en función de la identificación de los modos de torsión del tejido sensible, el cuestionamiento del sentido común, la movilización afectiva y el disenso. Mi aporte consiste en proponer una aproximación a la experiencia estética de lo monstruoso que permita precisar cómo el modo de torsión del tejido sensible se articula con la puesta en crisis del pensamiento dualista y con la posibilidad de reconfiguración de la realidad.
Derechos de autor 2025 Elsa María Beltrán Luengas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Esbozos para un hacer enmarañado con y a través del proyecto de investigación-creación Prácticas artísticas para una Colombia más-que-humana: de los mundos de plantación a las marañas-mundo
Este artículo tiene como objeto reflexionar sobre la serie de procesos, prácticas, concepciones metodológicas y conceptuales que hacen parte del proyecto de investigación-creación en curso Prácticas artísticas para una Colombia más-que-humana: de los mundos de plantación a las marañas-mundo. El proyecto toma como punto de partida la obra de dramaturgia titulada El silencio del salvaje: Viaje interior por los laticíferos de la siringa de Álvaro Iván Hernández Rodríguez (2014) como expresión de la catástrofe y radical simplificación producida por la relación extractivista e instrumental con la naturaleza expresada en las plantaciones de caucho, para de ahí cultivar proposiciones regenerativas desde las reescrituras del texto (tejido y textura), en la forma de prácticas performativas para el hacer de la maraña, término que se configura en el proyecto como noción, práctica, ideación experimental y método de ideación. El artículo propone la maraña como entramado procesual para hacer y pensar futuros posibles, donde se pueden activar formas del contacto que atienden al cuidado del entrelazamiento entre seres y mundos. A su vez, se presentan algunas de las prácticas emergentes surgidas de este proceso de investigación-creación, las cuales apuntan a enfatizar la potencia ecológica de las artes en medio de la crisis planetaria a través de un hacer enmarañado: los encauchamientos, el toque, los desbordamientos, el sonar, los jardinamientos y los estudios con hojas, son parte de este esbozo para un hacer enmarañado.
Derechos de autor 2025 Álvaro Iván Hernández Rodríguez, Regina María Gutiérrez Bermúdez https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Dislocar para reconocer: la estética de los procesos restaurativos de la Jurisdicción Especial para la Paz
¿Cómo preparar a víctimas y responsables de los crímenes para un encuentro dialógico? ¿Cómo transformar sus emociones, percepciones, relaciones y condiciones vitales en un proceso judicial? Creemos que la respuesta a estas preguntas parte de lo que hemos denominado dislocación restaurativa. Entendemos por dislocación restaurativa un proceso que deviene un movimiento emocional, epistémico y temporal de las partes. Estos movimientos han sido posibles con la mediación del arte y de los símbolos, pues se trata de lenguajes con la capacidad de nombrar lo inefable, de hacer audible lo que aturde, de alivianar el peso que se acumula con el tiempo. En este artículo, expondremos lo que entendemos por dislocación restaurativa en el escenario de la justicia transicional y algunos casos concretos en los que el arte y los símbolos la han permitido.
Derechos de autor 2025 Martín Posada Martínez, Angie Paola Ariza Porras, Ariel Sánchez Meertens https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este artículo se propone reconsiderar los meteoritos desde el arte contemporáneo como táctica de ambiguación ontológica. Apoyándome en Martin Heidegger (ser a la mano), Bruno Latour (gran división), Mario Blaser (conflicto ontológico), Graham Harman (ontología orientada a los objetos) y Timothy Morton (hiperobjeto), pondré en consideración algo de la diversidad en los modos de elaborar sentido con categorías que suelen estar cooptadas por inmovilismos disciplinares, para presuponer estos eventos y objetos no solo como una instancia de intercambio de materia y energía con el espacio exterior, sino como interlocutores que permiten hacer sentido y redireccionar sentido. Me concentraré en tres casos: el Pequeño Museo del Aerolito de Santa Rosa de Viterbo de María Elvira Escallón, Sideral de Marcela Armas y Gilberto Esparza, y Aerolito ovino de Andrés Felipe Quintero Torres. La intención es entrever el tipo de existencia que los meteoritos tienen cuando se les interroga desde las prácticas artísticas, para interrumpir las narrativas catastrofistas y dar paso a interrogantes éticos, resignificación de la materia y colaboración multiespecie.
Derechos de autor 2025 Nicolás Leyva Townsend https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La piedra de oro y la ficción contemporánea: la práctica artística como constructora de memoria colectiva en el territorio colombiano
Este artículo reflexiona sobre la práctica artística como herramienta para construir narrativas y cuestionar discursos hegemónicos, tomando como punto de partida una experiencia personal en el territorio de Mompox (Bolívar), durante una residencia artística en 2022. A través de una autoetnografía, se aborda la relación entre el arte, la memoria y la pedagogía, explorando cómo la creación puede funcionar como un acto de recolección de semillas (ideas, imágenes y relatos) para preservar y resignificar lo que está al borde de la extinción, como los oficios ancestrales. El artículo, estructurado en cuatro actos, se centra en el mito del humo y en la figura del alfarero, resaltando el poder transformador del arte para encontrar luz y calor en lo que parece perdido a través de la investigación y la creación.
Derechos de autor 2025 María Angélica Rojas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Aprender a conjurar el miedo: relatos del proceso Grabar en la memoria con las Madres de Falsos Positivos (Mafapo)
A partir de relatos autobiográficos enmarcados en una sistematización de experiencias, se presenta una reflexión educativa sobreel proyecto de formación en arte y memoria histórica Grabar en la memoria con las Madres de Falsos Positivos (Mafapo). El narradordevela cómo, en el tránsito de la experiencia, se enfrentan miedos a la muerte y al olvido, tejiendo relaciones entrañables entre los participantes de la experiencia en cinco relatos, para, finalmente, revisar en el corolario las relaciones entre arte, educación y memoria histórica. El primer apartado es sobre el inicio del proyecto en relación con la obra De lejos parecen moscas identificando los actores y las motivaciones. El segundo apartado comparte una mirada más cercana a Mafapo, lo que enmarca históricamente la lucha que moviliza a estas madres. En busca de resignificar las memorias relatadas, la tercera parte se concentra en traer la voz de las madres durante los encuentros de cada miércoles en el taller de grabado, permitiendo que el análisis se concentre en la diferencia entre una actividad educativa en artes y una actividad artística durante la experiencia, el rol de la fotografía como dispositivo didáctico y el grado de relación, sentido y significado en la creación. Por último, se relata la forma en que el desarrollo del proyecto trasciende las fronteras del taller y se vincula con la cultura universitaria durante el paro nacional de 2019 y termina en la graduación de los participantes.
Derechos de autor 2025 Eduard Andrés Barrera Mateus https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Madres y monstruos: imágenes de violencia y muerte en las canciones de cuna como expresión del trabajo reproductivo
Este artículo es parte de un proyecto de investigación que examina la ambivalencia entre lo vital y lo letal inherente a las canciones de cuna y la experiencia materna, enfocándose en los símbolos amenazantes y violentos presentes en estas melodías. A través del análisis sociológico de los sistemas de discurso, que incluye análisis de contenido y el análisis crítico del discurso (ACD), se exploran nanas de amenaza e imágenes violentas para investigar cómo estos elementos reflejan los sentimientos negativos de madres y cuidadoras, convirtiendo las canciones de cuna en un testimonio histórico, musicológico y literario del trabajo reproductivo y la ambivalencia emocional materna. Se investigan cuatro dimensiones clave: la simbología amenazante a través de monstruos y animales, la violencia explícita en la lírica de las nanas, lo letal en lo vital más allá del ritual de protección y la canción de cuna como lamento del trabajo reproductivo. Este artículo ofrece una nueva perspectiva sobre la literatura popular de arrullo y el significado de sus símbolos, destacando la relevancia de las canciones de cuna como un testimonio de la expresión artística histórica del trabajo reproductivo de la mujer y su ambivalencia emocional en la maternidad.
Derechos de autor 2025 Àngels Asensi Soto https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Simbiosis afectiva: laboratorios de creación en medio de una pandemia
Este artículo aborda las metodologías de laboratorio virtual y creación participativa como un camino para el diálogo en torno a momentos de tensión entre la vida y la enfermedad. Se centra en la experiencia personal de la coordinación del Laboratorio Biotecológico y el Laboratorio Ecosistémico, realizados para el Centro Cultural de España en Santiago (CCESantiago) durante 2021 en el marco de un proyecto más amplio llamado Pichintún de Yerbas. El propósito de este espacio fue, en medio de la pandemia, generar debates y encuentros a partir de sesiones de conversación y entrevistas con personas y colectivos invitados desde las artes visuales, así como procesos de creación conjunta por participantes de diferentes latitudes. La reflexión en torno a los resultados de esta experiencia permite expresar ciertos puntos de tensión entre las miradas desde diferentes espacios geográficos y metodologías de creación, así como puntos de encuentro en el diálogo con el territorio, el espacio y la afectividad desde Latinoamérica.
Derechos de autor 2025 Andrea Ospina Santamaría https://creativecommons.org/licenses/by/4.0