Una paradoja, unas huellas y una luz: los dolores y los miedos de los músicos como ecos silenciosos de los paradigmas de la tradición musical occidental
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Este artículo presenta algunas reflexiones sobre la paradoja que emerge en algunos músicos entre una faceta de la experiencia musical que es espontánea y anclada en el disfrute, y otra que de alguna manera ha sido contaminada por marcas de tipo físico, emocional y mental, con énfasis en el tema del miedo en la relación con la música. Encontramos una fricción entre el habitus institucional y la idiosincrasia del músico en formación que se encuentra situada de manera permanente en una “tensión intersticial” entre el canon y su propio mundo interior. Planteamos, basados en nuestra experiencia como músicos, gestores educativos y docentes, que en el sistema de educación musical formal se encuentra el origen de varias de estas huellas cuando este se vuelca demasiado hacia el producto y hacia el dominio de las habilidades y conocimientos musicales como fines, y no como medios para la expresión sensible. Este tipo de educación tiende a privilegiar el dominio técnico y analítico de los saberes canónicos y descuida el vínculo de los músicos con su propio mundo interior y la expresión de este a través de la música, y así desaprovecha la potencia de las voces individuales y pasa por alto la aparición de patologías (físicas, emocionales, mentales) que se manifiestan con diversos niveles de intensidad en las personas. Finalmente, proponemos como alternativas fortalecer la reflexión colegiada que devela los paradigmas pedagógicos naturalizados y traer a la enseñanza de la música una perspectiva somática que favorece la autoconciencia que integra cuerpo, mente y emoción, y que promueve la búsqueda de la voz propia en el contexto artístico del músico en relación consigo mismo, con el otro y con las situaciones vitales que atraviesa. Una perspectiva en cuyo centro está una pregunta permanente por el sentido del oficio: ¿para qué hacemos música?
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